?

Log in

No account? Create an account
Опавшие листья. Короб театральный
 
[Most Recent Entries] [Calendar View] [Friends]

Below are the 20 most recent journal entries recorded in pavelrudnev's LiveJournal:

[ << Previous 20 ]
Friday, April 20th, 2018
9:51 am
Tuesday, April 17th, 2018
4:37 pm
"Воительница-Джырыбына", реж. Матрена Корнилова, театр Олонхо, Якутск
Прошедшая программа "Золотой Маски" не была самой интересной за последние годы, но уж точно была рабочей, деловой, очень ясно и полноценно представившей палитру театральной России. Я очень порадовался за награды Ксении Перетрухиной, Дмитрию Данилову, Гоголь-центру, спектаклю "Чук и Гек", Вячеславу Ковалеву и, в особенности, Хабаровскому ТЮЗу.



Но на этой "Маске" для меня был еще один важный спектакль - якутский. Якутия давно не попадала в номинационные списки, и "Воительница-Джырыбына" Матрены Корниловой и театра "Олонхо" оказалась для меня едва ли не главным впечатлением фестиваля. По сути мы имеем внутри российской сценической палитры свою уникальную автономную форму театральности, в которой действуют свои собственные законы. Если бы то, что демонстрируется на сцене в спектакле Олонхо оказалось бы в другой постановке, с другим сценическим языком, мы бы назвали это по-плохому "тюзом" - антропоморфные движения, телесные терзания, расширенные вспученные глаза.
Но все меняется, когда появляется манера пения - нечто среднее между оперным вокалом и речитативом. Голос льется, выковывается, отливается в единую музыкальную ритмическую фразу, захлебывается и клокочет в горле певца. Это не театр текста, это театр сказания. Совершенно невозможно сказать однозначно, опера это или драма.
В воинственном якутском спектакле о том, как женщина вступает на тропу войны в борьбе со злом Нижнего мира и человеконенавистническим лукавством Верхнего мира, очень важный эстетический аргумент - чувство угрозы, нежной, затаенной, но проникновенной силы народа, сохраняющего самобытность и собственный театральный голос. В рамке эпического театра тюзовские приемы становятся подлинными, художественно оправданными, как некогда Георгий Товстоногов в "Холстомере" с лихвой оправдывает приемы любительского театра в изображении лошадей.
В руках у чертовки-удаганки шаманский бубен, но словно сожженный, пережженный, бубен из адского чертога, бубен злой силы. А конь оказывается принадлежностью каждого героя, выполняет ту же функцию, как и щит в "Илиаде" или магические предметы у героев фэнтэзи. Конь может изменять своему хозяину, если он оказывается под чарами тьмы.
Человек в якутском эпосе одинаково страдает и от смертоносности Нижнего мира, и от коварства и безразличия небожителей. И тот, и другой мир нещадно эксплуатируют человека, наталкивают его на препятствия, желая уничтожить и подчинить, но человек по природе - воитель - упрямо шагает сквозь иные миры без всякой поддержки. Внешний мир для человека - одна бесконечная обманка, тут только успевай догадываться, что подлинно, а что лживо. Интересно, что в какой-то момент Верхний мир очень напоминает Ватикан, совершенно безразличный к человеку. Герою из Серединного мира предстоит разоблачить магические козни обоих миров и восстановить во вселенной порядок. Предназначение человека - рассеять хаос, заклятье, вернуться к подлинности человеческого существования.

У Ивана Вырыпаева в "Пьяных" Болливуд побеждает Голливуд и арт-хаус. Герои пьесы цитируют иранский кинофильм, потому что там сказаны какие-то ясные, прозрачные, остро эмоциональные слова о жизни - в то время, как Голливуд и арт-хаус являют нам только концепции, не живую жизнь, а рамочные представления о ней. В якутском спектакле было что-то от этой философии.

Наблюдая за такой формой непсихологического, эпического театра, я прекрасно понимаю, что мы, в родной стране, под боком имеем свой танец Катхакали или свой театр Кабуки, но совершенно не успеваем полноценно ценить это, сосредотачиваясь на мейнстриме. В России нет ни одного этнического театрального фестиваля федерального столичного уровня, очень часто национальный театр вынужден выживать в гетто своего языка и своей постоянно уменьшающейся аудитории. "Золотая Маска", с большой периодичностью включая такие спектакли в афишу, делает их частью большой картины российского театра, и это уже прекрасно, но, разумеется, нужны большие шаги на другом уровне. Колоссальный потенциал этнического театра в России используется очень слабо или, по крайней мере, слабее, чем можно было бы себе представить.

 
Monday, April 16th, 2018
8:18 pm
Старт Ап

В блоге для начинающих театральных критиков новая публикация. Критик из Краснодара Ольга Жердева пишет о спектакле по пьесе «Ханана» Германа Грекова, реж. Юрий Муравицкий, Театр 18+, Ростов-на-Дону

http://start-std.ru/ru/blog/169/

Wednesday, April 11th, 2018
1:27 pm
Кантор

Тадеуш Кантор говорит: "Театр - самое прекрасное из искусств, ибо он находится между искусством и жизнью".

Кажется простой это максима, а на деле очень сложная и сущностная для театра.

Что, собственно, обеспечивает эту раритетную двойственность, исключительность театра? Видимо, то, что и инструмент, и содержание театра - едино, это человек и его тело. Форма не найдется без содержания, которое можно извлечь только из актерского тела, содержание тождественно форме. Нет отделения личности от инструмента творчества. Всем художникам, кроме артиста, нужно что-то иное, кроме себя, чтобы совершить акт искусства. Артисту нужна только его персона, его тело, у которого есть жизненное, безусловное измерение. Тело артиста подчиняется не законам искусства, как текст или краска, а законам физиологии, природы. Именно это обстоятельство удерживало театр дольше всех искусств от отказа от жизнеподобия. Театр оказался последним из искусств, отбросившим необходимость мимесиса.

Tuesday, April 10th, 2018
1:23 pm
"Тени" Юна Фоссе, театр De Utvalgte из Осло
В Театре имени Евгения Вахтангова на фестивале драматурга Юна Фоссе показали совсем не выдающийся спектакль по его пьесе "Тени". Это частный театр De Utvalgte из Осло, диалоги Фоссе озвучивают дети в видеозаписи, которая транслируется в обратной проекции на большие белые маски, подведешенные к колосникам. По сцене ходят, милуются совсем дряхлые старички, и можно радоваться как детским голосам и улыбкам, так и нежностью пожилых людей друг к другу. Абстрактный текст Фоссе - история о том, как человек проходит по жизни от смерти к смерти, боясь ее и ее же привлекая.

Но я думал о другом. О том, как в Фоссе воспроизводится национальный северноевропейский код. Было ощущение, что с эпохи Метерлинка, Гамсуна и Мунка ничего принципиально не поменялось - мы смотрим словно забуксовавшую во времени бесконечную пьесу "Непрошенная" или "Слепые" в оформлении галлюционаций Эдварда Мунка и девиантного поведения "Голода" Кнута Гамсуна. И эти слова сказаны не в осуждение, как могло бы показаться, а, напротив, как выражение сдержанного восторга.
Тут ты воочию видишь культурологический феномен. Эпоха модерн (в особенности, для России) тесно связана с пробуждением национальных культур скандинавских стран: финский модерн в архитектуре, Сибелиус, Ибсен, Стриндберг, Григ, Хуго Симберг и прочее. Более никогда в истории культуры Северная Европа не сияла так ярко и так значимо для всего мира. Нам сегодня кажется, что сумрачность, декадентство модерна комфортно легли на национальную почву, помогли ей развиться, дорасти до лидеров в культуре. А теперь ты видишь обратное: наделе скандинавская культура в это время "навязала" свой стиль взаимоотношения к смерти, свою суицидально-депрессивную интонацию и осталась прежней, никуда не делась, не испарилась. Культура, которая знает свою конечность, "гибель богов", сурово сражается за краткий миг жизни, пылающей в тотальном океане смерти. Человек пребывает в гибельной природе, которая прекрасным образом обходится без человека. Созерцая эту гибельный жуткий космос, человек перерождается из праха во прах. И для Фоссе принципиальным остается вопрос о милости, о праве сказать или не сказать близкому человеку: "Я по тебе скучал". Одиночество человека во вселенной - норма, и только может быть случайным, редкостным это движение от одного к Другому, лишь только случайный полуоборот лица.

Фото Павла Руднева.
Monday, April 9th, 2018
11:15 am
Любопытная версия цензуры тела в российской цивилизации
"Гирин смотрел на девушку и думал, как красива такая свободная походка, когда гордая юность не стыдится своего цветущего тела и ничего не прячет, ничто не считает постыдным. Наверное, от монголов-завоевателей пришла к нам эта нездоровая стыдливость, когда женщина уродливо сгибает плечи и старается спрятать грудь. А может быть, стыдливость эта была необходимостью во время татарского ига, когда прекрасные девушки портили свою красоту, выходя из дому, чтобы не попасть в наложницы победителям. Ведь немного больше века тому назад по всей России для женщины считалось неприличным показывать волосы из-под головного убора или платка. Еще одно природное украшение женщины кто-то сделал постыдным. Продолжают бытовать слова, хотя мы уже не понимаем их значения, вроде «опростоволосилась»."

© Иван Ефремов. Лезвие бритвы. 1963
Sunday, April 8th, 2018
10:52 am
Никольско-Вяземское
Был семинар в Никольско-Вяземском под Мценском, филиал Ясной Поляны. Там впервые Михаил Угаров стал завязывать драматургов и режиссеров в дуэты, в связки. Именно там Вадик Леванов начал сочинять пьесу о Ксении Петербургской.
Однажды вечером Миша немного выпил, пошел в кусты и упал в реку Чернь. Его моментально вытащили на берег Витя Рыжаков, Юра Клавдиев, Макс Курочкин и Миша Дурненков. Было очень весело, все были мокрые, потом сняли рубахи.
А вечером того же дня к нам приехал Владимир Ильич Толстой. Почему-то мне кажется, что он прискакал на коне. Но это вряд ли, так как на коне от Ясной Поляны до Никольско-Вяземского не доскачешь. Я его потом, в Ясной Поляне, видел на коне. Аберрация. Но пусть для красного словца будет на коне.
Дальше был вечер, и мы все сидели у костра на реке Чернь. И Толстой рассказывал что-то очень идеалистическое, утопически-толстовское. И возникала какая-то связь. Казаки, Хаджи-Мурат, Николай Ростов на бивуаке. Рядом Спасское-Лутовиново и Мценск, вписанные в культурный кодекс. И Угаров говорил об "арзамасском ужасе" и о том, как Софья Толстая ходила театрально топиться в пруд.
Saturday, April 7th, 2018
3:09 pm
Старт Ап
В блоге для критических дебютов "Старт Ап" СТД РФ - статья уфимского блогера Евы Крестовиц о спектакле «Джут» Олжаса Жанайдарова, реж. Айрат Абушахманов. Башкирский театр драмы им. Мажита Гафури (Уфа)

10:41 am
"Диалог"
Прислали номер польского театрального журнала "Диалог". На обложке цитата из пьесы Ирины Васьковской "Уроки сердца": «Темно – спать, светло – бежать». Это же - и заголовок моей статьи о Васьковской. В номере - два перевода Агнешки Пиотровской и Krzysztof Tyczko пьес "Мама" Аси Волошиной и "Визит" Ирины Васьковской. Причем, публикации снабжены фотографиями спектаклей, которые уже поставлены по пьесам этих драматургов в Польше. И еще статья Марины Давыдовой. Такой вот номер, где большая часть отдана нашему театру.

Польша - это главный зарубежный партнер российской новой пьесы. Через Польшу, прежде всего, наша драматургия становится известна Западу. Часто интерес к некоторым пьесам возникал даже раньше в Польше, чем в России. Гордость и благодарность!

Фото Павла Руднева.
Friday, April 6th, 2018
10:08 am
Предупреждение
Коллеги! Очень хочется вас уберечь от любых деловых контактов с Александром Кулинским, директором Русского театра драмы им. Ч.  Айтматова в Бишкеке, Киргизия.

Этот человек договаривается с тобой, затем просто кидает, не отвечая ни на какие сообщения, просто исчезает, игнорируя тебя и твои сообщения. Из-за договоренностей с этим человеком я отменил три важные поездки и в результате остался абсолютно ни с чем.
Wednesday, April 4th, 2018
1:08 pm
Читая Мамардашвили о Канте
Не имея языка, мы ничего не можем сказать о мире, без языка мы не можем познать его. Познать значит назвать. Но имея язык, мы теперь можем сказать о мире не всё. Языком можно пользоваться только в том, в чем он дает возможность высказаться, там, где хватает его инструментария. Язык терроризирует понимание. Слово - ловушка до мысли, как сказал Гоббс. Слово - диктатор познания.
 
 
Tuesday, April 3rd, 2018
2:19 pm
Saturday, March 31st, 2018
9:48 am
Иммерсивность

Все чаще и чаще встречаю непонимание термина "иммерсивный". Иммерсивным называют все, что угодно, - на просторах театральной родины и даже в работах студентов-театроведов и продюсеров.

Иммерсивный театр - это не синоним спектакля с интерактивом, то есть с включением зрителя в игру.

Иммерсивный театр - это не спектакль, предполагающий перемещение зрителя вместе со сценическим действием, не синоним променад-театра.
Интерактив, как и променад могут быть в иммерсивном театре, но этого может и не быть в иммерсивном спектакле. Равным образом, интерактив и променад могут быть вообще без всякой иммерсивности.

Иммерсивный театр - это от английского слова immerse, то есть погружение. Родовой признак иммерсивности - это существование зрителя в тех же самых предлагаемых обстоятельствах, что и артист. Зрителя в иммерсивном театре наделяют ролью, он более не наблюдатель, не соглядатай, он смотрит спектакль под каким-то (возможно, постоянно меняющимся) углом зрения, с каким-то фильтром восприятия. Он уже не Вася, а Вася плюс кто-то еще. Зритель оказывается в иммерсивном спектакле частью сценического действия, по сути действующим лицом этого спектакля. От него, в том числе, что-то может зависеть. Зритель сам становится спектаклем.
В иммерсивном театре зритель ощущает присутствие, ощущение реальности происходящего, что осуществляется через погружение зрителя в какую-то особую атмосферу: в традиционном театре зритель воспринимает театр глазами, ушами и мозгом, в иммерсивном театре - всем телом, особливым расположением (перемещением) организма в пространстве и времени.

Если дать сравнение, то вот так. Можно рассказать о жизни Пушкина в увлекательной, артистичной лекции и со слайдами - это традиционный театр. Иммерсивный театр - это та же лекция, но в музее на Мойке. Тебя водят по залам, тебе дают особые тапки, ты слышишь скрип половиц, видишь реальные предметы, ощущаешь специфические запахи, не шумишь, чувствуешь необходимость подчинить себя каким-то музейным правилам (чувствуешь трепет, благоговение), располагаешь свое тело в пространстве, в котором жил Пушкин. Ты чувствуешь соприсутствие себя в пространстве Пушкина.

Пожалуйста, употребляйте правильно.

12:38 am
Зазубрин
Своеобразная драматургическая сенсация. Литературовед Владимир Яранцев публикует пьесу Владимира Зазубрина "Подкоп" (1936), пролежавшую в РГАЛИ 70 лет.

Ставить, кажется, сложновато сегодня. Но прочесть можно.

Thursday, March 29th, 2018
5:28 pm
МХТ, Вечер к 150-летию со дня рождения М. Горького
Вчерашний вечер к 150-летию со дня рождения М. Горького "Солнце всходит" будет показан на канале "Культура" 31 марта в 22:00.

Monday, March 26th, 2018
7:05 pm
Учебный театр Школы-студии МХАТ: репертуар на апрель 2018 года

пт 6 (в 20.00, на сцене Боярских палат СТД РФ) Премьера! НАКАЗАНИЕ И ПРЕСТУПЛЕНИЕ по Федору Достоевскому, с использованием текстов Владимира Набокова и зонгов Андрея Родионова. 3 курс Дмитрия Брусникина. Режиссер Михаил Мокеев. Хореограф: Ира Га. Художник: Юлия Староверова. Художник по костюмам: Александра Гудилина. Композитор: Александр Золотовицкий. В ролях: Никита Ковтунов, Мария Лапшина, Михаил Мещеряков, Александр Золотовицкий, Юлия Джулай, Анастасия Плетнер, Юлия Разумовская, Даниил Шперлинг, Анастасия Чуйкова

сб 7 (в 19.00) Премьера! САМОУБИЙЦА Николая Эрдмана. Дипломный спектакль 4 курса актерского факультета (курс Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого). Режиссер Михаил Милькис. Художник Марфа Гудкова, Татьяна Азарова, Михаил Милькис. Художник по костюмам Татьяна Азарова. Играют: Дмитрий Сумин, Елизавета Ермакова, Антон Лобан, Николай Самсонов, Алёна Митрошина, Никита Карпинский, Глеб Дегтярёв, Даниил Феофанов, Олег Отс, Дарья Антонюк/Софья Эрнст, Василиса Измайлова/Ангелина Поплавская, Лия Латыпова

вс 8 (в 19.00) Премьера! ТРАНССИБ. Verbatim. Спектакль 3 курса (мастер Дмитрий Брусникин).

вт 10 (в 19.00) TE DEUM. Verbatim. Спектакль 4-го актерского курса Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого. Режиссер Вера Харыбина. Художник София Егорова. Композитор Яков Якулов. В спектакле заняты Василиса Измайлова, Глеб Дегтярев, Лия Латыпова,  Олег Отс, Софья Эрнст, Елизавета Ермакова, Герман Сегал, Дарья Емельянова, Антон Лобан, Даниил Феофанов, Алена Митрошина, Валерий Зазулин, Дмитрий Сумин

ср 11 (в 19.00) ПУТЕШЕСТВИЕ В TWIN PEAKS по сценарию сериала Дэвида Линча. Спектакль 4-го актерского курса Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого. Режиссер-постановщик Алла Сигалова. Режиссер-педагог Илья Бочарниковс. Художник-сценограф Марфа Гудкова. Художник по костюмам Татьяна Азарова. Играют: Антон Лобан, Даниил Феофанов, Дмитрий Сумин, Сергей Анненков, Елизавета Ермакова, Василиса Измайлова, Никита Карпинский, Ангелина Поплавская, Дарья Антонюк, Софья Эрнст, Лия Латыпова, Герман Сегал, Глеб Дегтярев, Дарья Емельянова, Алексей Виноградов, Юлия Макарова, Андрей Гарист, Алена Митрошина, Олег Отс, Валерий Зазулин, Николай Самсонов

чт 12 (в 19.00) Премьера! П. и Н. по Федору Достоевскому. 3 курс Дмитрия Брусникина. Режиссер Алексей Розин. Художник Анна Шаронова. В ролях: Фёдор Левин, Кристина Якимушкина, Эва Мильграм, Кирилл Одоевский

пт 13 (в 19.00, на сцене ТЦ «На Страстном» в рамках фестиваля «Твой шанс»), сб 21 (в 19.00, на сцене Учебного театра) Премьера! ART Ясмины Реза. Перевод Елены Наумовой. Спектакль 4 курса Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого. Режиссёр Игорь Золотовицкий. Художник Вика Сорокина. Композитор Валерий Зазулин. В ролях: Валерий Зазулин/Герман Сегал, Андрей Гарист, Алексей Виноградов/Сергей Анненков

сб 14 (в 19.00) Премьера! ЖДУ ТЕБЯ НА НЕБЕСАХ, ИЛИ ИСТОРИЯ НЕСКОЛЬКИХ РЕПЕТИЦИЙ по пьесам Жана Кокто, Славомира Мрожека, Антона Чехова. Спектакль 4 курса Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого. Режиссёр-педагог, автор сценической версии Вера Харыбина. Хореография Ирина Галушкина. Сценография Натали-Кейт Пангилинан. Художник по свету Антон Воронцов. Играют: Лия Латыпова, Дарья Емельянова, Глеб Дегтярёв

чт 19 (в 19.00, на сцене Учебного театра), пт 27 (в 19.00, на сцене ТЦ «На Страстном» в рамках фестиваля «Твой шанс»)  НЕДОМУЗЫКИ. 4-й актерский курс (мастерская Игорь Золотовицкого и Сергея Земцова). Режиссер Марина Дровосекова. Режиссёр-педагог Виктор Мархасев. Вокальный ансамбль Алёна Хованская Художник Марфа Гудкова. Костюмы Татьяна Азарова.
Играют Софья Эрнст, Дарья Антонюк, Алексей Виноградов, Андрей Гарист, Глеб Дегтярев, Дарья Емельянова, Елизавета Ермакова, Валерий Зазулин, Василиса Измайлова, Никита Карпинский, Лия Латыпова, Антон Лобан, Юлия Макарова, Алена Митрошина, Олег Отс, Ангелина Поплавская, Николай Самсонов, Дмитрий Сумин, Даниил Феофанов, Сергей Анненков

пт 20 (в 19.00) Премьера! БЕЗЫМЯННАЯ ЗВЕЗДА Михай Себастиан, реж. Илья Бочарниковс. 4 курс под руководством Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого. Художник Алевтина Ляпунова. В ролях: Дарья Емельянова, Алена Митрошина, Антон Лобан, Олег Отс, Дмитрий Сумин, Даниил Феофанов, Елизавета Ермакова, Ангелина Поплавская, Никита Карпинский, Глеб Дегтярев, Дарья Антонюк, Лия Латыпова

вс 22 (в 15.00 и 19.00) ЧУДОЧУДОЧЕЛОВЕК по Корнею Чуковскому. Спектакль 4-го актерского курса Сергея Земцова и Игоря Золотовицкого . Режиссер-педагог Марина Дровосекова. Художник Ольга Пашаева (выпускница Школы-студии МХАТ). Играют Олег Отс, Елизавета Ермакова, Василиса Измайлова, Николай Самсонов, Дарья Емельянова, Даниил Феофанов, Дарья Антонюк, Алена Митрошина, Валерий Зазулин, Ангелина Поплавская, Дмитрий Сумин, Лия Латыпова, Антон Лобан, Глеб Дегтярев, Алексей Виноградов, Никита Карпинский, Юлия Макарова, Андрей Гарист, Герман Сегал, Сергей Анненков

ср 25 (в 19.00, на сцене Центра драматургии и режиссуры на Беговой)  КАЛЕКА С ОСТРОВА ИНИШМААН Мартина Макдонаха. Спектакль курса Евгения Писарева, выпуск 2017 года. Режиссер Андрей Кузичев. Художник — Ольга Кузнецова (выпускница Школы-студии МХАТ). Играют: Владимир Зиберев, Сергей Дмитриев, Ксения Лавроненко, Анастасия Милославская, Софья Разуваева, Екатерина Рогачкова, Кузьма Сапрыкин, Назар Сафонов, Иван Семёнов, Дмитрий Чеблаков, Кирилл ЧернышенкоCollapse )

12:55 am
Трагедия Иванова



Олег Ефремов в интервью 1986 года о своем спектакле 1976 года: "Трагедия Иванова в том, что он - деятельный, активный, талантливый человек. Но это никому не нужно. Бывают в истории такие времена, пустые, серые, вяло текущие, когда именно ум, деятельность, инициативность не нужны".


Фото: Макет Давида Боровского

Saturday, March 24th, 2018
9:27 pm
Скандовизантия

Дмитрий Лихачев предлагал считать, что Россия - не Евразия, а скорее Скандовизантия.

Тем самым подчеркивалось им, что русская европейскость - скорее финно-угорского разлива, а азиатчина - византийская. В России реализуется по-прежнему путь из варягов в греки, а это не точка схода, сшивания Европы и Азии. Восточное присутствие в российской культуре - отголосок европейских обработок востока, а не прямое заимствование у ислама или индуизма.

9:33 am
"Lear" по "Королю Лиру" Уильяма Шекспира, реж. Дмитрий Акриш, Курганский театр драмы


Пьеса «Король Лир», как и любая пьеса, проходя через столетия, обрастает новыми смыслами. Есть в театре понятие растущего смысла. И всякий раз, в каждое новое время, текст звучит по-разному, его по-разному ставят в театре. Были периоды, когда очень важной категорией в осмыслении пьесы «Король Лир» была королевская власть, и даже не просто власть, а понимание того, что что такое королевское сознание, какова позиция короля, знати по отношению к этому миру, как искажает власть человечность. Были периоды, когда в названии «Король Лир» было важно не слово «король», а слово «Лир». В знаменитом спектакле Сергея Жеваноча с новейшим, на тот момент, в 90-е годы, переводом Осии Сороки, Шут впервые входил в пространство сцены и говорил «Дяденька Лир», и это резко меняло интонацию, которая до этого была в истории постановок этой пьесы. Это был спектакль не про распад власти, распад страны, это было про распад семьи. В 90-е годы это было очень важно: когда распадается страна - распадается и семья. В фильме «Король Лир» 1970-го года, у Григория Козинцева в какие-то моменты возникал разговор про философию обнаженного одинокого человека, голого человека, про вечное средневековье в нас.


Спектакль «Король Лир» Дмитрия Акриша в Курганском театре отвечает на вопросы: который сейчас час? В какое время мы живем? И как мы это время осмысляем? На мой взгляд, этот спектакль с очень явственным содержанием. Разговор, конечно, уже не узко - про королевскую власть, а просто про власть. Про философию власти, про то, что власть делает с человеком. Спектакль - конкретно про власть и про природу насилия: как возникает в человеке насилие, в новом человеке, в молодом человеке? Как возникает цепочка насилия? Как насилие существует, как воздух во внешней среде? Как насилие проникает в человека, внутрь каждого человека? И как агрессия оказывается результатом проявленного к нам когда-то насилия? Спектакль про то, что каждый человек, который включает эту агрессию в себе, продолжает бесконечную цепочку насилия в этом мире. Беда героев Шекспира в том, что никто тут не может собою прервать эту цепочку, не продолжать зло - в шекспировские времена такая идея еще не родилась. Смотря на современный мир, на то, что происходит вокруг в 2018 году, видимо, только об этом и стоит думать. Только об этом и думается. Тем более молодому режиссёру, который более обостренно на всё смотрит, новыми глазами. Этот спектакль размышляет и думает над тем, над чем и я размышляю и думаю каждый день.

Мне, прежде всего, нравится в этой работе, что она лишена всяческого ложного пафоса. Это спектакль, который заставляет тебя отказаться от целого ряда иллюзий, которые возможно в тебе и существуют. Это спектакль, который в зрителе будит сомнения. В спектакле Дмитрия Акриша нет ничего стереотипного по отношению к истории постановок этой пьесы, она автономна и самостоятельна. То, что режиссер и артисты попытались очистить всё то, что на эту пьесу налипло за время её эксплуатации, мне кажется, это очень важным. Пьеса очистилась от стереотипов прошлых эпох, но спектакль работает со стереотипами современной эпохи. Спектакль Дмитрия Акриша шекспировский, по-настоящему шекспировский, в том смысле, что он соответствует шекспировскому духу. Это очень грубая, очень брутальная, резкая форма - такая, какая есть и у Шекспира, далеко не милого, приятного, пушистого автора. Здесь очень много поднято тем, связанных с милитаризмом, военщиной, террором, жестокостью. И это то состояние мира, как о нём думает Шекспир. Здесь нет милоты, здесь нет попыток сделать мир лучше, чем он есть на самом деле, показать мир лучше. Грубая форма, бывает, приводит к отказу от тонких чувств. Но, в какие-то моменты, особенно во втором акте, тонкие чувства в этом спектакле тебе даются. И отсюда же произрастает откровенность и актёрская смелость по отношению к темам плоти, пола, секса, того же милитаризма. В сексуальной природе человека содержится природа власти, а в природе власти содержится природа насилия. Насилие, секс и власть это синонимы в этом спектакле. И это очень существенно.

Сцена с изгнанием зрителя из партера сделана как спрямлённая метафора, и может показаться достаточно грубой и неизысканной, но, с другой стороны, очень важно в этом спектакле дать почувствовать зрителю, что чувствует король, когда его выгоняют, когда ты не нужен, когда с тобой неделикатно обходятся. Так как зритель не привык, чтобы с ним так обходились в театре. Зрителю на тактильном ощущении, через эффект присутствия, тоже важно дать это почувствовать и ощутить. На своей коже.

Я вижу не первый спектакль Дмитрия Акриша, «Морфий» Курганского театра я смотрел дважды. Я вижу, как рисунок все больше уточняется. Спектакль перегружен визуальной и аудиальной (звуковой) информацией - чаще всего, по делу. Творчество лишь частично сознательно, но чаще всего бессознательно. Вы вместе приходите к результату через этюдную систему репетиций. У Родена в его воспоминаниях есть потрясающее признание: «Я леплю сначала форму, и только потом придумываю содержание». Он называл скульптуры, менял названия после того, как глина остыла, потому что не понимал, что он лепит. Он доверял рукам, доверял форме, сначала создавал форму, потом придумывал содержание. Если вспомнить метод Георгия Товстоногова, то он тоже полагал, что только физическая форма может заставить артиста сделать слова материальными, ощутимыми. Но, мне кажется, важно думать еще и о том, что зритель, которому преподносится бесконечный ряд визуальных образов, может выбрать путь отказа от решения кроссворда: визуальные образы, безусловно, бессознательные, атмосферные, они дают интеллектуальную и эмоциональную информацию, но в какие-то моменты избыточны.

То, что Глостера играет актриса, - понятно почему: имея такую замечательную актрису, как Екатерина Горяева в труппе театра, нельзя её не задействовать в спектакле. История Глостера - это полная рифма к истории Лира, и поэтому в таком гендерном перевёртыше есть смысл. История, которая случается с мужчиной Лиром и сестрами тождественна истории, которая случается с женщиной - графиней Глостер и ее мальчиками.

В спектакле по-хорошему удивила тема, которую в постановках пьесы «Король Лир» я нигде не встречал, сюжет первой брачной ночи. Спектакль раскрывает скобки за Шекспира и размышляет над тем, что происходит с дочерьми Лира, после того, как их выдали замуж. Спектакль даёт возможность почувствовать, что происходит с женским организмом в этот момент, какая эта боль, какое унижение - когда без любви, брак по политическим мотивам. Тема первой брачной ночи, а попросту, изнасилования, оказывается лейтмотивом всего спектакля и доказывает простую, но очень действенную мысль спектакля о том, что агрессия в человеке есть результат реакции на изначальное насилие мира по отношению к нему. И действительно, что могло французского герцога заинтересовать в Корделии-бесприданнице: он видит, что девочка юная, абсолютно невинная, абсолютна белая, чистая, светлая, до такой степени - что она не знает королевского ритуала, не понимает ценности ритуала. Ей еще не ведомы омерзительные законы вселенной, что в какие-то моменты нужно быть ритуальным и формальным, а в какие-то моменты - искренним. Очень хорошо играет Иван Дробыш и Ирина Храмова тему стыда, когда Лир стыдится собственного ребенка, потому что ребенок ведет себя на людях так, как ведет себя в детской. Как плохие родители бьют своих детей на улице, публично, потому что дети начинают проявлять себя так, как сами родители ведут себя дома. Вот это чувство стыда за детство своего ребенка. Как в пьесе «Таня» А. Арбузова бывает стыдно Герману за Таню при Шамановой, Таня - абсолютный ребенок, она не умеет существовать в формальных, деловых отношениях, не умеет быть лживой и формальной. И в спектакле Дмитрия Акриша эта тема важна. Французский герцог в спектакле - это некий набоковской Гумберт Гумберт из "Лолиты", и сцена первой брачной ночи Корделии заканчивается тем, что он, как бабочку булавками, распинает её на стенке. И, конечно, эта история приводит Корделию к тому, что она оказывается воинствующей Валькирией в финале. Эта история про то, как насиловали человека, как уничтожали человека, тратили его, как безжалостно поступил муж в первую брачную ночь, и эта мука живет в человеке и порождает в нём бесконечную ответную агрессию. Цепочка зла продолжается.

То же самое происходит с Гонерильей: очень точно показано, как тяжело ей сказать слово «люблю». Так тяжело сказать слово «люблю», потому что слово «люблю» невозможно произносить, когда вокруг много людей, это интимное слово. Гонерилья тоже проходит через первую брачную ночь: что происходит с организмом женины, когда она перестает быть девственницей. Замечательная сцена, когда падают армейские тарелки с колосников, и слышен звук шагающих войск, этой сотни короля Лира, и ты понимаешь, что происходит в душе женщины: она вспоминает как насиловали её, и в ней возникает страх военщины, страх казармы. Страх перед войском Лира возникает, как женский страх перед мужчинами. Она боится мужчин до такой степени, что сама становится военной, воинственной Брунгильдой. Она приходит к решению: чтобы тобой не манипулировали, она сама будет манипулировать другими. Этот механизм постоянно включается в этом спектакле, он включается почти в каждом персонаже.

Роль Лира очень здорово сыграна Иваном Дробышем. Это очень осмысленная актерская работа. Я попытался разгадать природу артиста и режиссерского рисунка, мне показалась, что есть тема человека из шестидесятых, советского человека, который оказался на рандеву с современностью. Лир казался мне похожим то на Окуджаву, то на Ролана Быкова. Приземистый суетливый человек, одетый в простой советский костюмчик на фоне всеобщей современной пестроты и мешанины, Лир словно бы оказывается не в своем времени. Советский человек, который вдруг застает мир не в прежнем состоянии. Упрямо хочет быть демократом, разделяет королевство, пытаясь соблюсти честность, раздать по справедливости. А выходит подлинный кошмар, и он же сам шарится по телам дочек, чтобы найти в них хоть что-то человеческое. Спектакль фиксирует разочарование целого поколения в сущности демократии. Тирания сменяется на демократию, но ничего не получается, ничего по-прежнему не работает, потому что человека не изменили. Чтобы заработали прекрасные демократические институты, чтобы Лир спокойно мог передоверить власть, нужно сперва изменить человека, нужно общество поменять. Каждый становиться тираном после того, как тиран раздарил власть. Спектакль Дмитрия Акриша про крушение множества идеалов, крушение иллюзий.

Замечательно, что сцена постоянно оголяется, главная стенографическая тема - это голая сцена. Голая сцена как метафора человеческого одиночества. И здесь каждый из героев оказывается одинок перед Вселенной. Для каждого из героев наступает момент истины, когда он оказывается один перед Вселенной, один перед космосом.
Очень значительная, серьезная, может быть, самая важная сцена этого спектакля - эта сцена, когда с колосников театра спускается конструкция, напоминающая орган. И словно бы в голове зрителя звучит органная музыка, которая связанна с космосом, трансценденцией, связана с Богом. Человек здесь наедине с космосом, наедине с Богом. Эта сцена - молитва Лира, его контакт с божеством.
В этот момент сцена обнажена и по ней разбросана асфальтовая крошка. И я как зритель ощущаю, в буквальном смысле слова, запах асфальта и это существенное впечатление. Человеку XXI века от истории остался запах нефти и запах асфальта. У Эдмунда (Владимир Рахманов) есть монолог, прочитанный экспрессивно, крепко, он срывает аплодисменты, - монолог о том, что природа за меня, я в контакте с природой, и природа мне помогает реализоваться, значит природа за меня. И это оправдание зла для Эдмунда. Шекспир верил в натурфилософские идеи - подобное мы встречаем и в «Ромео и Джульетте» и других пьесах. Но как этот монолог звучит на сегодняшний момент? Где сегодня эта природа? Везде асфальт, мы живем в этом запахе асфальта и целлулоида. Никакой природы уже не существует. Есть только асфальтовая тема, бесконечный урбанизм, бесконечный город, который пожирает природу. И Лир в какие-то моменты начинает внюхиваться в окружающий мир, внюхиваться в дочерей, смотреть где у них «кнопка», задирать подол, чтобы найти эту кнопку, ищет где в них человек, где в них человеческое? Как тебя, дочка, уколоть, чтобы ты стала человеком. Человек ты или робот, машина? Это поиск природы в человеке, а на самом деле никакой природы уже нет. Человек на асфальте существует сам как «асфальт». И у каждого персонажа есть эта тема. Вообще пьеса «Король Лир» - о том, что такое фальшивое, а что такое истинное. Не доверяй словам, слова всегда лживы. Всегда ищи подлинное. Есть ритуальная ложь - сладкая и красноречивая, а есть настоящая грубая, неприятная правда, с этим сталкивается каждый из героев. Пьеса - про разоблачение ритуализации жизни, и в спектакле это очень здорово показано: когда Эдгар (Артем Токмаков) раздевается и ищет подлинное в себе: нужно снять военную форму, эту ритуальную одежду сбросить, выкинуть.

Замечательная придумка - сцена "документальная", когда в голове Лира звучат милые, наивные монологи его детей, когда они были совсем маленькими. Детские наивные представления о мире. Здесь возникает тот самый прибавочный смысл, тот «припек» по отношению к пьесе. Спектакль Дмитрия Акриша - про вину родителей, про то, что дети - всегда возмездие для родителей, дети всегда укор для родителей. Сразу шокирует первая фраза из первого монолога в этой сцене: «Меня папа назвал Гонерильей, и я всегда знала, что буду принцессой». То насилие в нас, та несправедливость мира, они произрастают из того момента, что дети вырастают и начинают реализовывать программу, которая заложена в сказках и детских присказках. Каждый взрослый, каждый отец, каждая мать обожают своих детей и наделяют своих детей чувством исключительности, внушают, что ты принцесса, ты единственная. Сказки, которые мы рассказываем детям, потом реализуются в реальности. В том числе и реализация идеи: ты старый, ты должен умереть, ты должен уступит мне место. Про это дочери Лира знают с самого детства. Нам кажется, что дети все потом правильно осмыслят, на самом деле все реализуется. И сам Лир говорит, что "я - альфа и омега", "я был прав" - и тут кроется причина насилия и агрессии в нашем мире. Потому что если каждый из нас будет считать, что он прав, что он - альфа и омега, то рядом с нами всегда возникнет кто-то более сильный, другой человек, который тоже скажет, что он - альфа и омега и что он прав. Нас губит безусловное чувство правоты, которое в нас живет. И вера в то, что мы все правильно чувствуем, все правильно понимаем. И если каждый из нас - альфа и омега, то мир идет к черту, погибает, и все в этом спектакле гибнут, вместе с Британией.

Еще одна тонкая тема, которую играет Иван Дробыш - Лир наконец приходит к мысли, что любовь не может быть автоматической. Каждому из нас присуще понимание и вера, что, если мы кому-то сделали добро, то это добро автоматически к нам вернется. Но любовь и добро, справедливость не могут быть автоматическими, по принципу "дашь - на дашь". Надежды отцов на то, что их когда-нибудь пожалеют и пригладят, это вера в автоматическую любовь. Любовь может быть только добровольной акцией. Осознать это - это значит стать королем Лиром, трагическим героем. Понять это - это отказаться от любой иллюзии, которая есть в нас. Замечательная сцена – первый финал, когда Лир пытается сохранить семью, составляя из себя и трех своих мертвых дочерей скульптуру. Это очень красиво. Но скульптура, увы, распадается.
Friday, March 23rd, 2018
5:11 pm
Старт Ап
В блоге для начинающих критиков "Старт Ап" СТД РФ новая публикация.

Азалия Балгазина из Уфы пишет о второй версии спектакля "Не отпускай меня" по роману Кадзио Исигуро в постановке Петра Шерешевского. Камерный театр Малыщицкого, Санкт-Петербург




[ << Previous 20 ]
About LiveJournal.com